En el cementerio de Ciudad Real, en el panteón
de la familia Martín López-Salazar, existe un bajorrelieve en granito y mármol del
año 1924, obra del escultor Jerónimo López-Salazar Martínez.
Esta obra mereció los elogios de la
crítica y del público en los círculos artísticos madrileños y fue reproducida
en las páginas de la Gaceta de Bellas Artes de la Asociación de Pintores y
Escultores de Madrid. Obtuvo el segundo premio en la Exposición Artística
Provincial, celebrada en agosto de 1935 en Ciudad Real. Fue un encargo de
Eduardo Martín Moreno, hijo y nieto de banqueros, que siempre prefirió utilizar
el segundo apellido paterno, Moreno, con el que se veía más identificado con la
saga de financieros familiares. Su madre se llamaba Teodora López-Salazar.
En un reportaje firmado por Pedro Barragán
en El Pueblo Manchego, este escribe que esta obra iba destinada a la
tumba de una dama de Daimiel, fallecida algunos años antes, cuyos restos fueron
trasladados a Ciudad Real a la tumba del banquero por las referidas fechas. A
la misma obra se refirió Ramón Yubero en otro artículo del mismo diario y se
congratulaba que lo hubiera adquirido Eduardo Martín Moreno.
En este relieve se funden varios
movimientos coetáneos del siglo XX: el modernismo, el expresionismo, el
simbolismo e incluso tiene algunas connotaciones del vanguardista art déco en
la fecha tan temprana en la que se firma la obra. Está impregnado de fuerte
acento modernista en el interminable alargamiento de la figura central. Es a su
vez simbolista por el patetismo que provoca la efigie hierática de La Muerte,
además de la composición cerrada de la escena, en clara alusión a que el último
destino de los humanos es ineludible y nadie escapa. Los cuerpos desnudos son
de alto valor evocativo y simbólico, pues indican cómo llegan y se van los
humanos del mundo: sin nada. Este bajorrelieve trasmite el desasosiego y la
angustia, provocados por la presencia gigantesca de la figura de La Muerte y
nos remite al expresionismo. Hay un claro concepto de contemporaneidad de la
obra en la época que la hizo (1924) pues, a los referidos movimientos
descritos, hay que sumar el art déco aludido en los surcos geométricos de la
larguísima capa, propios de la estética de este movimiento. El art decó fue un
estilo ecléctico que mezclaba en sus planteamientos varias tendencias a la vez,
entre ellas, la geométrica y la egipcia, debido al gran impacto producido por
el descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922 y que fue determinante en
la ornamentación de este estilo. Además, las ideas funerarias de los egipcios
estarían muy acordes con la temática de esta placa, dedicada a La Muerte
y por la perspectiva jerárquica de la gran protagonista de este inquietante
relieve.
La efigie de La Muerte causa profunda
impresión, es sumamente estilizada y aparece en el centro de la obra. Bajo su
figura encapada se intuye un esqueleto altísimo, del que tan solo sobresale la
tétrica calavera, cubierta con la capucha, que va unida a la túnica interminable,
de la que solo sobresalen los huesos alargados de las manos con los que
sostiene la afilada guadaña con la que sale a capturar a sus víctimas. La otra
mano está hacia abajo, sin nada, simbólicamente abierta al vacío.
Se suman al relieve siete figuras. Todas
están esculpidas con gran veracidad expresiva, hábilmente repartidas sobre el
plano, en posiciones ponderadas para equilibrar y contraponer las masas: son
cuatro desnudos masculinos y tres femeninos; en todos ellos se acusa gran
tensión muscular, pues se enfrentan al momento trascendente del final de la
vida y, de uno en uno, van sucumbiendo de manera ralentizada ante Ella, que los
tiene señalados, como presas inmediatas.
Son estudios anatómicos en diversas
posiciones, pictóricos y escultóricos a la vez, opulentos y delicados, de
escorzos acusados y musculaturas robustas, que se revelan o resignan ante su
destino ineludible en su lucha desigual. López-Salazar conoce bien el desnudo y
su tratamiento por los clásicos, el dramatismo de los escultores helenísticos y
renacentistas, e incluso hay en esta obra recuerdos manieristas, tanto por la
inestabilidad de los cuerpos, como en los forzados escorzos o en los excesivos
alargamientos de las figuras en este bajorrelieve.
Distribuye los cuerpos en dos
agrupamientos, de simétrica composición formada por tres cuerpos en cada lado
del eje central, más otra figura que sitúa en el centro, bajo la angustiosa
silueta de La Muerte. Se trata de un desnudo masculino, que ya abandonado
el mundo de los vivos, que, a modo de trofeo de caza, yace bajo sus pies, y
junto a la tétrica protagonista son el eje distributivo de la obra. Esta figura
pertenece a un adulto atlético, de vigoroso tórax y musculatura muy trabajada y
tensa. Rompe la monotonía de su horizontalidad por el triángulo formado con su
pierna derecha. Otro triangulo está dispuesto a la inversa, entre el hombro,
clavícula y cuello, punto direccional para marcar su cabeza, hincada en el
suelo.
En el lado izquierdo aparece otro cuerpo
masculino, que encarna la representación más trágica de todas, pues La
Muerte le ha alcanzado con el filo de la guadaña y le ha diseccionado el abdomen
en dos, en el mismo instante que acontece la terrible escena. Se trata de una
figura bellísima de gran veracidad expresiva con los pliegues de la piel y los
músculos tensos y muy trabajados. Cae de rodillas, e intenta sujetarse a un
suelo que no alcanza con los brazos apoyados detrás del cuerpo y sucumbe con
las palmas de las manos hacia arriba en un gesto instintivo y dramático por
sobrevivir. La angustia que transmite al espectador es de fuerte acento
expresionista.
Junto a ella, sitúa a una pareja, el
desnudo femenino aparece en posición muy forzada, apoya la cabeza en su hombro,
que descansa en la pierna del hombre. Sin resistencia, ni lucha, dirige su
última mirada al mundo con los ojos entreabiertos, antes de cerrarlos para
siempre en el sueño eterno. Se va escurriendo lentamente hacia el suelo, aunque
intenta todavía sujetarse a la mano de su amado, que se separa dramáticamente
entre sus dedos. Las fuerzas le abandonan, una de sus piernas ya ha caído al
suelo, mientras la otra aún aparece erguida por la rodilla. Detrás de ella, su
compañero, aún en pie, en postura muy forzada y entre escorzos manieristas, se
resigna ante el destino inmediato y su silueta incluso se amolda a la ley del
marco en el plano de la obra.
En el otro lado del relieve se palpa la
misma angustia, junto a la cabeza del personaje central yacente, aparece un
desnudo femenino sentado en el suelo, que se enfrenta al final en soledad. Es
consciente de su tragedia y desolada, cubre el rostro con uno de sus brazos, en
un gesto instintivo de búsqueda de consuelo para mitigar su dolor. El otro
brazo forma una diagonal desde su hombro hasta la rodilla, doblada en el suelo.
Junto a ella, aparece otra pareja, que forma simetría compositiva en la del
lado opuesto.
En esta zona, el desnudo masculino, con
los ojos marcados por el terror, es el primero que cae a tierra y marca con su
figura la diagonal, representativa de la tragedia, desde su pie hasta el brazo
opuesto en vertical. Tiene una postura rígida y violenta. El otro brazo lo
dobla por detrás de su cabeza, en un gesto de rebeldía, ante el ineludible
destino inmediato. Sus ademanes parecen querer atenuar el gran desasosiego que
invade su cuerpo doliente. Su compañera intenta sujetarlo en vano, la mujer aparece
de puntillas, como si tratara de sujetar unos segundos más el cuerpo de su
pareja que se le escapa eternamente de su lado.
La composición es muy potente, aunque el
resultado final sea de ponderada sobriedad, pues todo es opresión, angustia,
tensión y esfuerzo. El escultor sigue su tendencia irreprimible a la acentuación
del valor muscular y se centra en la suavidad de las masas compositivas y de las
formas flexible y ondulantes. Profundiza en los estudios anatómicos de las
diversas posiciones y en los gestos expresivos y dramáticos de las figuras
representadas. Son siete desnudos en la edad adulta, siete figuras nobles,
torturadas, tensas, tristes y emotivas, que mantienen líneas movidas, rítmicas
y expresivas. Son cuerpos alargados y musculosos que se van entregando, de uno
en uno, ante la gigantesca y alargada silueta de La Muerte, que alcanza
a todos y que la reciben de distinta manera: resistiéndose, agitándose o
resignándose, extenuados y abatidos en esa batalla perdida. López-Salazar los
esculpe en diversas posiciones; unos aún conservan el vigor muscular y los
otros ya han sucumbido y han abandonado la vida. En las dos esquinas ha
dispuesto dos parejas simétricas, que ponderan y equilibran visualmente las
masas, a la vez que encuadran la obra.
El escultor hace este relieve sin
estridencias ni violencias decorativas, sino centrándose en lo esencial. Lo
resuelve con pocos planos, pero muy enérgicos y expresivos, y su acierto visual
radica en que trae a todos sus integrantes en un único plano sin perspectiva y
esto le otorga actualidad y un sentido contemporáneo a la composición. Salvo la
figura de “la fatal protagonista”, el artista omite jerarquías entre unos y
otros en el resto de los personajes, en clara alusión a que la muerte iguala a
todos. Esta obra representa un movimiento ralentizado de las formas humanas que
se estremecen y se acerca a interpretaciones filosóficas, pues representa a la
vez el misticismo y la paganía. Es un relieve angustioso que nos hace meditar
sobre el último acto humano, pues la muerte forma parte de la vida.
Jerónimo se enfrentó con soltura a la
escultura grupal, pues supone la dificultad de coordinar varias figuras en el
mismo plano; el relieve está bien resuelto, tanto en la ponderación de las
masas, como en el delicado y rítmico juego de líneas con las que consigue un
perfecto equilibrio. Da la sensación de haber cierta iluminación pictórica en
la obra, pues la luz se difumina para penetrar sobre el plano, potenciada por
la suavidad del modelado de un bajorrelieve muy plano, además, con la
combinación de la piedra y el granito, consigue calidades que difuminan los contornos
de la obra y que llevan a intuir cierto cromatismo.
Las piedras duras ayudan a la brillantez
del acabado final y a conseguir todos los recursos de calidad y plasticidad que
estos materiales ofrecen. El escultor conoce bien todas las posibilidades que
le prestan el granito y el mármol, además de dominar los medios técnicos con
los que puede obtener matices gráficos y efectos pictóricos en la ejecución de
la obra, a lo que hay que sumar, su capacidad creativa al distribuir unas
terminaciones sin pulir con otras lisas. Estas combinaciones lumínicas en las
texturas de la piedra, más la blancura helada y cristalina del mármol,
potenciarían la sensación de la frialdad de la muerte, muy adecuada, en un
panteón funerario.
Texto:
Carmen López-Salazar Pérez “El Escultor López-Salazar”. Biblioteca de Autores
Manchegos. Diputación de Ciudad Real
